En kort filmhistorie fra midten af det 20. århundrede til i dag: et uddrag fra bogen af Anton Dolin
Bøger Biograf / / December 28, 2020
Autorebiografens storhedstid
Siden midten af 1950'erne har filmskabere og filmskabere dukket op overalt i verden, hver med deres egen stil og stil. Nogle af dem respekterer hinanden, andre tværtimod foragt, og flertallet bygger deres eget kunstneriske univers, beboet af medarbejdere og fans.
I 1950'erne - 1970'erne oplevede toppen af populariteten af auteur-biograf: folk ser det, forbyder det, hylder det, argumenterer voldsomt om det, skriver artikler og hele bøger. For første gang taler teoretikere seriøst om biograf som en kunst, der på ingen måde er ringere end dens ældre brødre - teater, litteratur, maleri eller musik.
I Sovjetunionen, på trods af censur, en kompromisløs forfatter film og unikke kunstnere: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.
Ti film at prøve:
- Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Japan;
- “Seven Samurai”, 1954, Akira Kurosawa, Japan;
- Ordet, 1955, Karl Theodor Dreyer, Danmark;
- Det syvende segl, 1957, Ingmar Bergman, Sverige;
- "Adventure", 1960, Michelangelo Antonioni, Italien;
- La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Italien;
- A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, UK / USA;
- Dagens skønhed, 1967, Luis Buñuel, Frankrig;
- Frygt spiser sjælen, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Tyskland;
- Mirror, 1974, Andrei Tarkovsky, USSR.
Nyt Hollywood
Denne tendens i amerikansk auteurbiografi blev delvist påvirket af europæisk og asiatisk film og festivalbevægelsen. Hans fødsel er forbundet med afskaffelsen af Hayes censurskode, som foreskrev strenge regler for hvad der er tilladt og hvad kan ikke vises i biografen, og med krisen i det amerikanske "studio" -system druknet i selv gentagelse og træt tilskuere.
Unge filmskabere-filmbuffere følte sig som en del af verdens kulturelle samfund. De opgav alle begrænsninger og udforskede tabuområderne i det amerikanske liv. Samtidig var deres film populære og modtog fulde huse, blev nomineret til filmpriser og vandt dem.
De sociale problemer og traumaforskning af den almindelige amerikaner i nye Hollywood-film erstattet konventionelle filmlove inden for genrefilm med dens obligatoriske og ofte på vagt lykkelige ender.
Fem film at prøve:
- The Graduate, 1967, Mike Nichols, USA;
- Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, USA;
- The Godfather, 1972, Francis Ford Coppola, USA;
- Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, USA;
- "Scarface", 1983, Brian De Palma, USA.
Blockbusters
I midten af 1970'erne fandt en kommerciel revolution sted i amerikansk og derefter verdensbiograf. Unge indvandrere fra New Hollywood George Lucas og Steven Spielberg de skyder utroligt populære genrefilm for et ungt publikum, der bryder alle billetkontorrekorder. Fra dette tidspunkt er Amerika gradvist skiftet fra masseproduktion af seriøs biograf til voksen publikum til underholdningsfilm for teenagere - ægte kommercielle maskiner til at tjene penge penge. De kaldes "blockbusters" - bogstaveligt talt "kvarterskæmpere".
Blockbusters er stadig rygraden i Hollywoods studiekraft og årsagen til vitaliteten i den amerikanske filmindustri.
Fem film at prøve:
- Jaws, 1975, Steven Spielberg, USA.
- Star Wars, 1977, George Lucas, USA.
- Alien, 1979, Ridley Scott, USA.
- Terminator, 1984, James Cameron, USA.
- Die Hard, 1988, John McTiernan, USA.
Postmodernisme
Dette ord skræmmer mange. På den ene side er ingen i stand til kort og tydeligt at beskrive, hvad der menes med det. På den anden side er der skrevet så mange studier og bøger om ham, at der menes for meget.
I biografen ser man tydelige manifestationer af postmodernisme bort fra systemet med hierarkier (både ophavsret og kommercielt biograf), altomfattende ironi, allestedsnærværende citater fra filmens klassikere, mangel på moralisme og lærerigt. Samt en blanding af genrer og stilarter, ikke-sondring mellem "høj" kunst og massekultur, inkludering af seeren i betragtning som et slags kulturelt spil, hvor han bliver bedt om at gætte, hvad han virkelig har i husk forfatteren.
Siden midten af 1980'erne har postmodernisme overtaget film rundt om i verden.
Ti eksempler at prøve:
- Blue Velvet, 1986, David Lynch, USA;
- "ASSA", 1987, Sergey Solovyov, USSR;
- Kvinder på randen til en nervøs sammenbrud, 1988, Pedro Almodovar, Spanien;
- Nikita, 1990, Luc Besson, Frankrig;
- Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japan;
- «Kriminalroman», 1994, Quentin Tarantino, USA;
- Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, USA;
- Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Danmark;
- Funny Games, 1997, Michael Haneke, Østrig;
- “About Freaks and People”, 1998, Alexey Balabanov, Rusland.
Festivaler
De første filmfestivaler begyndte at blive afholdt allerede før Anden Verdenskrig. Det mest indflydelsesrige filmshow var Venedig, der blev grundlagt i 1932 på diktatorens personlige initiativ Benito Mussolini. Cannes-festivalen blev først udtænkt til at blive afholdt i slutningen af det samme årti som et alternativ og modvægt til Venedig-festivalen, hvor fascistiske ideer blev mere og mere indflydelsesrige. Planerne var ikke bestemt til at gå i opfyldelse: krigen begyndte. Som et resultat fandt den første Cannes-festival sted i 1946.
De vigtigste filmshows i Europa betragtes traditionelt som festivalerne i Berlin (februar), Cannes (maj) og Venedig (August-september), de mest prestigefyldte er deres præmier: "Golden Bear", "Golden Palm" og "Golden Lion" henholdsvis. Derudover har berømte festivaler været afholdt i lang tid i Locarno og Rotterdam, Karlovy Vary og San Sebastian, Toronto og Busan.
Der er flere internationale filmfestivaler i verden end dage om året.
Tyve festivalvindere at prøve:
- Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japan (Venedig);
- "Betal for frygt", 1954, Henri-Georges Clouzot, Frankrig (Cannes);
- "12 Angry Men", 1957, Sidney Lumet, USA (Berlin);
- Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Spanien (Cannes);
- Ivan's Childhood, 1962, Andrei Tarkovsky, USSR (Venedig);
- Paraplyerne i Cherbourg, 1964, Jacques Demy, Frankrig (Cannes);
- Military Field Hospital, 1970, Robert Altman, USA (Cannes);
- Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italien (Berlin);
- "Ascent", 1977, Larisa Shepitko, USSR (Berlin);
- All That Jazz, 1980, Bob Fosse, USA (Cannes);
- "Navn: Carmen", 1983, Jean-Luc Godard, Frankrig (Venedig);
- "Paris, Texas", 1984, Wim Wenders, Tyskland (Cannes);
- Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, Kina (Berlin);
- Barton Fink, 1991, Ethan og Joel Coen, USA (Cannes);
- Klaveret, 1993, Jane Campion, New Zealand (Cannes);
- Længe leve kærlighed, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Venedig);
- Spirited Away, 2002, Hayao Miyazaki, Japan (Berlin);
- Still Life, 2006, Jia Zhangke, Kina (Venedig);
- “4 måneder, 3 uger og 2 dage”, 2007, Cristian Mungiu, Rumænien (Cannes);
- "Onkel Boonmi der husker sine tidligere liv", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Thailand (Cannes).
I øvrigt
Hvem har brug for festivaler, og hvorfor?
Mange mener, at dette er en slags "forfængelighedsmesser", der kun findes for sladdernes skyld - gå tøj på det røde løber. Faktisk er filmfestivaler en slags mekanisme, der tilbyder et alternativ til Hollywood-studiosystemet for udlejning og reklame (såvel som dets analoger rundt om i verden).
En professionel jury og filmkritikere ser helt nye film (normalt hører de til auteurbiografen) og vælger de mest talentfulde. Hele verden vil vide om det: både intriger omkring prisen og sladderkolonnen hjælper. Sammen med festivalerne er der filmmarkeder, hvor der indgås tilbud til salg og køb af film, ikke kun kommercielle og genrefilm, men også forfattere, avantgarde og eksperimentelle. Næsten alle vigtige instruktører i efterkrigsfilmhistorien er blevet berømte gennem festivaler.
"Oscar"
Menneskeheden er sikker på, at Oscar er den højeste pris inden for biografområdet, og det er umuligt at overbevise ham. Men Oscar er en rent amerikansk industripris, hvis begrænsede koordinater ofte findes hele film umærkelig: når alt kommer til alt er kun film udgivet i løbet af året tildelt USA.
Måske tillægger de prisen en sådan betydning, fordi Oscar-uddelingen er et spektakulært show. Eller fordi den mest berømte
stjernerne i verden er Hollywood. Men frem for alt naturligvis fordi amerikansk biograf er den mest populære i verden.
Årsagen er enkel. Franskmændene laver film til franskmændene, danskerne til danskerne, indianerne til indianerne, kineserne til kineserne og russerne til russerne. Der er undtagelser fra denne regel, men de er sjældne og ubetydelige. Og kun Hollywood laver film ikke for amerikanere, men for hele verden.
Tyve bedste Oscar-film at prøve:
- Det skete en nat, 1935, Frank Capra, USA;
- Borte med vinden, 1940, Victor Fleming, USA;
- Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, USA;
- Alt om Eva, 1951, Joseph Mankiewicz, USA;
- Ben-Hur, 1960, William Wyler, USA;
- Lejligheden, 1961, Billy Wilder, USA;
- West Side Story, 1962, Robert Wise og Jerome Robbins, USA;
- Lawrence of Arabia, 1963, David Lin, UK;
- Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, USA;
- "The Godfather - 2", 1975, Francis Ford Coppola, USA;
- One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1976, Milos Forman, USA;
- Annie Hall, 1978, Woody Allen, USA;
- Platoon, 1987, Oliver Stone, USA;
- Rain Man, 1989, Barry Levinson, USA;
- «Lamens tavshed», 1992, Jonathan Demme, USA;
- Schindlers liste, 1994, Steven Spielberg, USA;
- Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, USA;
- Titanic, 1998, James Cameron, USA;
- Intet land for gamle mænd, 2008, Ethan & Joel Coen, USA;
- Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, USA.
Den kendte russiske journalist og filmkritiker Anton Dolin skrev en bog til børn og voksne, hvor han analyserede vigtige spørgsmål om biograf. Hvorfor ser vi film? Hvordan man kan forstå filmisk sprog? Hvad hvis du keder dig? Hvordan ændrer biografen sig, og hvad bliver der af den i en fjern fremtid? En meget flot bonus - illustrationer til publikationen er tegnet af Konstantin Bronzit, en kunstner, animator og en Oscar-nomineret.
Køb en bog
Læs også🧐
- 10 bøger, der vil vække kunstneren i dig
- Brodsky's liste: bøger, du skal læse, så du har noget at tale om
- En guide til Haruki Murakamis bøger: Hvad er specielt ved dem, og hvorfor de skal læses