Hvordan filmskabere hjælper seerne med at elske deres film
Biograf / / December 30, 2020
Når folk diskuterer film, taler de ofte om handlingen og handlingen. Selvfølgelig er disse vigtige komponenter i enhver film. Men det sker således, at du ikke kan fjerne øjnene fra et billede, selvom handlingen udvikler sig meget langsomt, og en anden historie bliver hurtigt kedelig på trods af de mange begivenheder. Nogle forfattere formår at få seeren til at tro på de mest fantastiske vendinger, mens andre gør endda virkelige situationer som legetøj. Og det er bare rart at se nogle bånd, mens andre er hårde.
Sagen er, at der ud over handlingen og skuespillerne er der mange interessante tekniske tricks ved hjælp af hvilke instruktører hjælper seeren til at føle handlingen og nyde det, der sker på skærmen. Disse finesser kan måske ikke engang bemærkes, men de påvirker stadig i høj grad opfattelsen af billedet.
Farvespektrum
Den første ting at bemærke er, at farverne i filmene ofte slet ikke er de samme som i det virkelige liv. Det kan være ret indlysende (for eksempel hvis billedet er sort og hvidt), eller hvis du ikke er klar over det med det samme. Men det er ikke tilfældigt.
Skab atmosfære
Ved hjælp af farver kan du bedre formidle atmosfæren af det, der sker, skabe stemning i seeren og endda vise personernes følelser.
Tag for eksempel den populære franchise “X men». I den største filmserie ligner det lyse og rige billede tegneserier. Og i modsætning til dem i noir "Logan", hvor de taler om heltenes alderdom og træthed, vælges lysere toner.
I filmen "Mad Max: Fury Road" finder det meste af handlingen sted i et varmt ørkenområde. Det er logisk, at billedet blev skudt i gul-orange nuancer, som får dig til at føle den brændende sol og tørhed.
For klarhedens skyld kan du tage en ramme og ændre farveskemaet. Det ser straks ud til, at det er blevet koldere.
For at skabe et kontrasterende billede bliver moderne blockbusters og generelt massebiograf mere blå og orange.
Og her er den berømte Wes Anderson elsker en blød lyserød palet. Det giver seeren følelsen af en gammel romantisk film. Og alt, hvad der sker, opfattes mere roligt og lettere.
Når de ønsker at skabe en atmosfære i fremtiden og fantasien, bliver de også ofte blå. Og de elsker især neonfarver, som er fast forbundet i beskuerens hoved med cyberpunk og teknologi.
Det er overflødigt at sige, at forfatterne gyserfilm foretrækker mørke farver. Der er flere grunde til dette. Selvfølgelig er dette delvist en måde at pumpe atmosfæren på. Mange mennesker er allerede bange for mørket, og i horrorfilm gemmer sig også monstre i det.
Derudover giver et mørkt billede dig mulighed for at skjule ufuldkommenheder i grafik eller makeup og spare på produktionen. Det er sandt, at der er en fare i dette: Hvis du mørkner rammen for meget, kan seeren muligvis ikke se, hvad der sker på skærmen, især i en dårlig biograf eller på et gammelt tv. For eksempel var dette tilfældet i 2018-filmen Slenderman.
Selvom nogle originale instruktører kan spille i kontrast. For eksempel Ari Astaire i “Solhverv”Viste den typiske atmosfære af en gyserfilm: heltene befinder sig i en isoleret landsby, hvor forfærdelige ting sker.
Men på samme tid er billedet meget lyst, der er næsten ingen mørke scener i det, og heltenes tøj er snehvid. Og dette gør det endnu mere forfærdeligt, for der er ingen steder at gemme sig for rædslen.
Læser nu🔥
- Top 25 tv-serier fra 2020
Adskillelse af plotdele
En film kan have flere forskellige farvefiltre. De bruges til at adskille historier tydeligere. Og med det rigtige talent hjælper denne tilgang med at gøre billedet lysere.
Et godt eksempel er “Matrix». Logoet på dette bånd blev lavet med grønne kodesymboler, der betegner det program, som folk bor i. Derfor blev alt, hvad der sker i den virtuelle verden, filmet gennem et grønt filter. Og virkelige begivenheder vises i blåt.
Og først i slutningen af tredje del, når mennesker og maskiner har indgået en fredsaftale, vises rene blå og grønne farver i rammen på samme tid.
I film Christopher Nolan "Begyndende" figurer bevæger sig fra den virkelige verden til en drøm, derefter til en drøm i en drøm osv. For mere tydeligt at adskille "lagene" valgte instruktøren sit eget farveskema for hvert af dem.
På det første niveau af søvn er alt filmet i en blå palet, det andet er gult, det tredje er hvidt. Og først i den sidste drøm kommer alle nuancer sammen igen som i den virkelige verden.
I Blade Runner 2049 Denis Villeneuve forskellige farver afspejlede både hovedpersonens placering og indre tilstand.
Det hele starter med Ryan Goslings karakter, der vandrer i tågen, så passerer han gennem en varm orange ørken, neonfuturisme og en natteflod. Og historien ender på en snehvid baggrund, der afspejler ro og renselse.
Afslag på farve
Engang var alle film det sort og hvid. Simpelthen fordi de ikke vidste, hvordan de skulle skyde på anden måde, og det var kun muligt at farve rammerne manuelt. Derefter kom farvefilm med, og film blev meget mere realistisk.
Men samtidig er sort / hvid fotografering ikke helt en fortid. De bruges stadig til kunstneriske formål. For eksempel at afgrænse forskellige verdener eller historier.
Så i Wizard of Oz i 1939 vises farve, når Dolly kommer ind i eventyrverdenen.
I "Stalker" af Andrey Tarkovsky mangler farver også i heltenes almindelige liv. Og når tegnene kommer ind i den mystiske "Zone", bliver verden lys - det er her, folk virkelig afslører sig.
Eller alligevel viste Christopher Nolan i båndet "Husk" en del af handlingen i den direkte rækkefølge, og den anden - i det modsatte. Derfor er halvdelen af filmen optaget i farve og den anden er i sort og hvid.
Derudover giver et sort / hvidt billede mulighed for at fremhæve visse detaljer mere levende ved blot at tilføje farve til dem. For første gang gjorde Sergei Eisenstein dette, da han manuelt malede flaget i slagskibet Potemkin fra 1925.
Derefter blev denne teknik brugt i helt forskellige genrer. I "Schindlers liste" Steven Spielberg udseendet af en pige i en rød frakke bliver et af de mest følelsesmæssige øjeblikke.
Og selv i tegneseriefilmen Sin City bruges denne tilgang gentagne gange med vægt på rød læbestift, lyse øjne eller blod.
Rammekonstruktion
Regel af tredjedele
Et af de grundlæggende principper for både biograf og fotografering. Dette er noget som en forenklet regel for det "gyldne forhold".
Det er simpelt: Når du optager, er skærmen opdelt i tre dele lodret og vandret. De vigtigste elementer til plottet skal placeres på disse linjer såvel som i deres kryds. Dette vil gøre det lettere for seeren at fokusere på de ønskede punkter.
Placer et kvadrat
Hvis du deler rammen betinget i to eller i fire lige store dele, kan du få seeren til at forstå uden ord, hvilket sted karakteren indtager i historien.
Denne teknik ses tydeligst på båndet "Drive" Nicholas Winding Refna. For eksempel, hvis hovedpersonens ansigt vises i øverste venstre hjørne, og i den næste ramme vises et andet tegn på samme sted, så er dette et tip om, at tegnene vil være rivaler.
Derudover kan den samme Refn fortælle to historier parallelt: i skærmens øverste og nederste del eller i venstre og højre halvdel. Seeren bemærker muligvis ikke dette træk, men opfattelsen af tegnene vil stadig være mere komplet. Plus, det er bare smukt.
Symmetri
En anden psykologisk og æstetisk teknik på samme tid. Ofte er skud, hvor den venstre halvdel afspejler den højre halvdel, kun for skønhed.
Men nogle gange formidler de karakterernes modstand. Og hvis helten ser i spejlet, vil det vise sin mørke side eller forskellen mellem drømme og virkelighed. Med et ord, enhver allegori, som man kan tænke på som refleksion.
Hollandsk hjørne
For at vise hovedstabiliteten helt, hans tvivl om noget eller hukommelsesproblemer, bruger en meget visuel teknik. "Hollandsk vinkel" betyder, at kameraet ikke skyder lige, men skråt. Mange eksempler på denne tilgang kan findes i filmene af Danny Boyle.
Seeren er ikke vant til at se på billedet fra en vinkel, så han bedre opfatter karakterens ubehagelige tilstand.
Det er dog vigtigt at overholde foranstaltningen her. For eksempel blev den katastrofale film "Battlefield: Earth" filmet helt i en vinkel. Men om halvanden time vil seeren sandsynligvis bare have ondt i halsen.
Optagelse nedenfra og ovenfra
En anden af de enkle, men effektive teknikker, der giver dig mulighed for at formidle heltenes selvfølelse. Så du kan f.eks. Vise, hvem der er mesteren i situationen. Og så kommer båndene straks i tankerne Quentin Tarantinohvor tegnene ser ned i bagagerummet.
Og at skyde ovenfra får dig til at føle, at helten føler sig usikker. Her er hvor sjovt de spillede det i den berømte scene fra filmen "What Men Talk About", hvor karakteren af Kamil Larin som et barn undskylder dørmanden i en dyr restaurant:
Dialog og bevægelse
Baggrundshandling
En teknik, der oftest bruges i komedie eller rædsel. I forgrunden sker der ikke noget interessant. Og det vigtigste udfolder sig mod baggrunden, som kan blive mørkere eller sløret.
For eksempel hovedpersonen i filmen “Zombie ved navn Sean"går i butikken. Alt er meget verdsligt for ham. Og i baggrunden er der en ægte apokalypse:
Afhængigt af genre og præsentation kan dette skabe en meget sjov effekt eller spænding - i gyserfilm er de vigtigste skrigende ofte skjult.
Samtaler i bevægelse
Den mest almindelige type dialog i film er, at tegn sidder og chatter. I dette tilfælde skifter kameraet traditionelt mellem ansigter.
Men hvis scenen bliver for lang, så seer blive træt af den konstante gentagelse af de samme vinkler. Derfor supplerer eller ændrer indstillingerne for sådanne scener gode instruktører.
Så i Quentin Tarantinos film taler karaktererne næsten konstant. Men mesteren lader dig ikke kede dig, fordi dialoger kan finde sted under kørsel. På grund af den konstante ændring af baggrunden virker handlingen ikke ensformig.
Og selvom tegnene er i samme rum, skifter kameraet ikke bare. Hun kan bevæge sig omkring dem og skabe effekten af tilstedeværelse og endda deltagelse i samtalen. Næsten alle tegn kan ses uden unødvendig redigering.
Nicholas Winding Refn formår at bruge det allerede nævnte spil med farve og refleksion i en simpel samtale. I Drive ser hovedpersonernes første dialog ud til at se meget enkel ud.
Men samtidig karakteren Ryan Gosling har altid en blå baggrund (dette farveskema ledsager ham gennem hele filmen). Og heltinden Carey Mulligan står ved de orange vægge. Og dette viser, at noget adskiller dem, selvom de er tæt på.
180 graders regel
Der er endnu et vigtigt punkt under filmen. Hvis du flytter kameraet mere end 180 grader, når du ændrer vinklen, bliver seeren forvirret. For eksempel, når helten løber, ser det ud til, at han har vendt sig om og bevæger sig i den modsatte retning.
Og dette er lige så vigtigt selv under dialoger. For ikke at skabe det indtryk, at alle i rammen har bevæget sig brat, vælger operatøren og instruktøren en bestemt linje, ud over hvilken kameraet ikke skal gå.
Det er underligt, at en bevidst overtrædelse af denne regel kun kan bruges til at forvirre seeren for at vise heltens forvirring. Og med behørig fantasi skaber forfatterne mere usædvanlige scener. For eksempel en samtale Gollum Med mig selv. Tegnet vises simpelthen fra forskellige sider, men det skaber den effekt, at der er to højttalere, og at de er i dialog.
Installationsfunktioner
Redigering giver dig mulighed for at gøre filmens handling mere dynamisk ved at "springe" over de kedelige øjeblikke i livet og give dig mulighed for at se på, hvad der sker fra forskellige synsvinkler. Dens enkleste form er fortælling. Det vil sige, begivenhederne i rammen sker efter hinanden. Dette forklares tydeligst i Manden fra Boulevard des Capuchins.
Men du kan vise begivenhederne i filmen på en anden måde, og til dette bruger de forskellige teknikker.
Parallel installation
I modsætning til fortløbende historiefortælling ønsker forfattere nogle gange, at publikum skal se, hvad der sker på samme tid forskellige steder. Og så direktører se parallel ledningsføring.
Dette gør plottet mere begivenhedsrigt. Men forsigtighed er nødvendig. Når alt kommer til alt, hvis du igen viser scenerne, der forekommer samtidigt, kan du få det indtryk, at hver af dem varer længere.
Et slående eksempel på mislykket parallel redigering er "Furious-6". Heltene forsøger at flygte på et fly, der kører langs landingsbanen, biler jagter dem, og en kamp finder sted inde i linjen.
Forfatterne demonstrerer så mange begivenheder på én gang, at flyet på skærmen ser ud til at accelerere i mindst 15 minutter. Naturligvis dræber dette al situationens realisme?
På den anden side betragtes Christopher Nolan bredt som en mester i parallel redigering. Instruktøren bruger det i mange af sine værker, men det bedste eksempel er Inception. Begivenheder på forskellige niveauer af søvn forekommer samtidigt og i forskellige hastigheder (i dybere søvn bevæger tiden sig langsommere).
Her føjes den allerede nævnte adskillelse af farver til handlingen, og seeren bliver ikke forvirret i det, der sker, men indser hele begivenhedens globalitet.
Forresten er det interessant, at Nolan i filmen "Dunkirk" er endnu mere vittig med denne teknik. Det viser parallelt de begivenheder, der finder sted på land, i vand og i luften. Faktisk er kronologien en helt anden, og alt konvergerer kun i finalen.
Flashbacks og Flash fremad
Nogle gange integrerer forfatterne deres minder fra fortiden - flashbacks - i karakterernes lineære historie. Disse kan være meget korte blink på et par sekunder eller hele historier.
En stor elsker af sådanne øjeblikke - Jean-Marc Vallee. Således tilføjer han spænding til de tilsyneladende rolige scener. Eller han gør det klart, at karakteren bedrager nogen: han siger en ting, men noget helt andet vises i hans minder.
Det er ikke svært at gætte, at flashforward er de samme historier, men fra fremtiden. De bruges sjældnere, normalt i science fiction eller mystiske historier. På en sådan teknik byggede de endda en hel serie, hvor hver person i løbet af en bestemt formørkelse så et øjeblik fra sin fremtiden.
Og videre langs plottet forsøger alle at finde ud af årsagerne til, hvad der skete, og forstå betydningen af deres visioner. Serien blev navngivet således: Flashforward (i russisk oversættelse - "Husk hvad der vil ske"). Sandt nok varede han kun en sæson.
Jump-cut
Denne teknik gælder allerede for lineær redigering. Det betyder en skarp overgang mellem skud. De bruger det til helt andre formål.
I Frank Oz's Little Shop of Horrors hjælper en sådan montage med at vise den lange og kedelige tid.
Men Lars von Trier, der også ofte bruger jump-cut i sine værker, formidler karakterernes følelsesmæssige stress og psykologiske ustabilitet på denne måde. Optagelse som denne gør billedet mere "nervøst". I båndet "Idioter" er dette meget passende:
Redigering i form og lyd
For at de forskellige begivenheder, der vises i filmen, skal opfattes som en fortsættelse af hinanden, bruger forfatterne ofte visuelle tilfældigheder. Det vil sige, konturerne af et objekt i en ramme gentages i den næste. Og nogle gange kan det se meget vittigt ud.
På samme måde kan du "tilslutte" seeren med lyd. Skriget fortsætter damperens fløjte, og den industrielle rumling erstattes musik det samme tempo. Eller hvis et beskadiget rør suser, bliver det til et knit af ristet kød.
Derudover kan lyden være lidt foran eller bag det, der vises på skærmen. Dette gøres for at gøre scenerne mere forbundet. Det vil sige, at seeren stadig hører tale og rasler fra den forrige ramme, men handlingen er allerede ændret. Eller omvendt.
Manglende installation
Dette er et dristigt træk: instruktører skyder lange scener uden at redigere det eller skjuler det på forskellige måder.
Dette gør det, der sker på skærmen, mere realistisk, giver seeren en fornemmelse af tempoet i selve historien. Men selvfølgelig kræver denne tilgang meget mere øvelse og investering. Når alt kommer til alt, under behandlingen kan du skære mislykkede små ting ud.
Så, Joe Wright i filmen "Atonement" viste en fem-minutters scene med evakuering af tropper fra Dunkerque under Anden Verdenskrig. I mængden var 1.300 mennesker involveret med udstyr i bevægelse i rammen, og eksplosioner opstår i baggrunden. Det er denne tilgang, der formidler al dysterhed og kaos i det, der sker.
Moderne teknologier gør det muligt at håndtere installationen mere præcist. Og dette hjalp Alejandro Gonzalez Iñárrit med at skyde Birdman. I det bemærker du ikke engang straks, at hele handlingen vises i en kontinuerlig ramme.
Faktisk er montagen der, men skjult. Lim fremstilles, når kameraet passerer gennem et mørkt element.
Og den "russiske ark" af Alexander Sokurov ser endnu stærkere ud. Handlingen finder sted i Hermitage, og instruktøren fik en dag til filmoptagelse. Derfor besluttede han at skyde billedet uden limning.
Det tog syv måneders øvelser med 800 ekstra. Som et resultat skød de fra den tredje tag en hel film med en varighed på 1 time og 27 minutter.
Faktisk er der meget flere sådanne finesser. Men mange af dem har allerede brug for dyb viden om regi og film. Dette er blot enkle eksempler, der kan ses i mange film. Og når du ser på det næste billede, vil du helt sikkert blive ramt af det "hollandske hjørne" eller en lang ramme uden redigering. Men det bryder ikke magien filmografitværtimod vil det gøre visning endnu mere interessant.
Læs også🎬
- 6 tip til at fange betagende actionkameraer
- 12 berømte filmstempler, der vildlede seerne
- Hvordan Xavier Dolan filmer - en af de mest lovende unge instruktører
- David Lynchs verdener: hvordan en instruktør skaber film med en unik magnetisk atmosfære
- Paolo Sorrentino: hvordan forfatteren af "Great Beauty" og "Young Pope" laver billeder