"Min fem-årige datter vil tegne på samme måde": hvordan man begynder at forstå kunst, og hvad du bør vide for dette
Miscellanea / / November 24, 2023
Interessante fakta om malere og tips om, hvordan man ordentligt bliver bekendt med malerier.
Vi behandler altid kunstneres eller billedhuggeres værker subjektivt, fordi der ikke er nogen strenge standarder for kreativitet. Kunstkritiker Nikita Monich fortalte lyttere af Science Pulverizer-podcasten, hvordan man lærer at forstå kunst, og om man kan tro på stereotyper om skabernes liv og arbejde.
Nikita Monich
Kunstkritiker, driver YouTube-kanalen "About Culture", holder foredrag og gennemfører udflugter i Madrid.
Skal en kunstner virkelig være sulten?
Kompleks problemstilling. Vi støder meget ofte på denne stereotype. Men lad os erstatte ordet "kunstner" med navnet på en anden profession. Er det rigtigt, at en matematiker, en mekaniker, en minister eller en præsident skal leve i fattigdom? Hvis hver af os tænker på vores egen virksomhed, vil vi højst sandsynligt komme til den konklusion: "Jeg arbejder bestemt for ikke at være sulten." Og kunstnere behandler deres arbejde på samme måde.
Det er også værd at præcisere, hvad "professionel kunstner" betyder.
Hvad er forskellen mellem en hobby og et erhverv? Vi bruger penge på hobbyer, men tjener penge af profession. En professionel kunstner er derfor ikke en, der har et diplom eller to diplomer, men arbejder som tester eller leverer pizza. En professionel kunstner er en, der tjener penge gennem sin kreativitet.
Nikita Monich
Men det sker, at en malers arbejde først får en værdig vurdering efter hans død. Der er mange skabere, der levede fattige liv og døde uforstået. Og de havde ikke tid til at se, at deres malerier var efterspurgte. Derfor mener kunsthistorikere: Hvis malerens værker er blevet højt værdsat, så kan han betragtes som en professionel, der har ydet et væsentligt bidrag til kunsten.
En kunstner behøver selvfølgelig ikke være sulten, men nogle gange er han tvunget til at leve i fattigdom. Det sker, at hans syn på verden, hans budskaber, som han forsøger at formidle gennem sine værker, ikke får genklang hos dem, der køber malerierne. Dette sker ofte for innovatører. Eller med dem, der kun modtager anerkendelse i en kort periode af deres kreative liv. Så forbliver disse mestre virkelig sultne.
Men vi kender heldigvis mange kunstnereder lykkedes. De forstod udmærket, hvad deres samtidige havde brug for. Og de kunne også tilføje en ny vision til traditionelle tilgange. Men de gjorde det i doser – så samfundet kunne acceptere deres innovative beslutninger.
En sådan anerkendelse blev opnået af Raphael, Rubens og senere af Marc Chagall, Salvador Dali, Pablo Picasso.
Men der er andre eksempler - f.eks. Klimt og Schiele. Den første havde en strålende karriere og var den mest succesrige kunstner i Wien. Den anden er hans elev. Han levede et ulykkeligt kort liv og fik først anerkendelse til allersidst.
Derfor sker det, at kunstnerens motto bliver sætningen l'art pour l'art - "kunst for kunstens skyld." Og det skal pengene tjene Ellers. Sådan gjorde den berømte da Vinci f.eks.
Leonardo da Vinci, da han ønskede at spise, bygge en karriere og i princippet være et værdigt medlem af samfundet, ansøgte om at tjene hertugen af Milano. Og han sagde: kære hertug, jeg ved, hvordan man bygger vidunderlige fæstningsværker, jeg er generelt en urbanist.
Nikita Monich
Kan vi adskille kunstnerlegender fra fakta?
Lad os fortsætte med at tale om Leonardo og se på hans Mona Lisa. Der er mange legender omkring dette berømte maleri. For eksempel menes det, at kunstneren hyrede musikere, for at modellen ikke skulle kede sig, mens han tegnede hende. Og det berømte smil fra Gioconda dukkede op netop takket være denne musik. Og generelt malede kunstneren kun pigens læber i 12 år.
Det er svært at adskille fakta fra spekulation her. Vi ved næsten intet om, hvordan det rent faktisk fungerede da Vinci og hans samtidige. Ja, vi kan for eksempel studere Leonardos dagbøger. Men det er ikke en let opgave at få mening i hans noter.
Tusindvis af sider indeholder indkøbslister, refleksioner over maleriets natur og en idé om, hvordan man laver en propel. Her blev fisken pakket ind, her er hånden, her er benet tegnet. Kort sagt, vi ved ikke meget om da Vinci fra hans eget vidnesbyrd.
Nikita Monich
Vi er bekendt med biografier om Leonardo og hans samtidige fra kunstnerens og kunstkritikerens Vasaris optegnelser. Men vi ved ikke, hvor præcist fakta afspejles i disse værker, som er blevet kanoniske.
For eksempel beskriver Vasari Mona Lisas øjenbryn. Men der er ingen øjenbryn på lærredet. Desuden er de fraværende, ikke kun i den endelige version. Under det ydre lag, hvis du studerer billedet ved hjælp af et røntgenbillede, er øjenbrynene heller ikke synlige. Det viser sig, at Vasari enten ikke så dette billede selv, og "Rabinovich sang" for ham, eller han så det, men skrev om det fra hukommelsen og tog fejl.
Men der er også fakta, som vi er sikre på. Leonardo skrev La Gioconda i meget lang tid og behandlede det med særlige følelser. Han begyndte at arbejde efter at have modtaget ordren i 1467. Så gav han aldrig maleriet til kunden og tog det med sig i lang tid. Efter 40 år vendte Leonardo tilbage til arbejdet. Måske tilføjede han blot et par streger - selv ved hjælp af røntgenbilleder kan vi ikke sige præcist hvilket år hvert enkelt slag blev påført. Men vi ved, at kunstneren færdiggjorde maleriet mange år efter, at arbejdet begyndte.
"Mona Lisa" endte i den kongelige samling af malerier i Frankrig under Frans I. Han købte den efter da Vincis død. Men det var bestilt af helt andre mennesker og kom ikke til kunden, for alle deadlines blev skam overset.
Nikita Monich
Hvem tegner kunstnere egentlig i deres portrætter?
Det ser ud til, at svaret er indlysende: dem, der tjener som modeller for dem. Men hvis vi taler om Mona Lisa, kan man høre mange spekulationer om, hvem Leonardo egentlig ville portrættere. Nogle tror det selv. Eller endda Kristus.
Faktisk er det ikke særlig vigtigt, hvem der fungerede som model for billedet. Ofte er et portræt blot et billede. Lad os sige, at personen på lærredet er meget lig den, der poserede. Hvert maleri er dog også et portræt af kunstneren selv. Men ikke fordi han altid maler sit udseende.
Det er ikke formen, der er vigtig her, men indholdet. Det vil sige budskabet, den mening, som kunstneren lægger i hvert af sine værker. Og denne besked afhænger helt af skaberen.
Hvilken rolle spillede kvinder i klassisk kunst?
De blev ofte muser for skabere. Men de var sjældent i stand til selv at modtage en klassisk uddannelse og blive kunstnere.
Dette er en af grundene til begrænsningen. Ethvert maleri eller skulptur er et sanseobjekt. Kreativitet har altid været forbundet med seksualitet. Dette er i høj grad sublimering, det vil sige retningen af sanseenergi i en anden, kreativ retning. Og det ved vi kunstnereDe, der skabte klassisk kunst, malede ofte nøgne kvindefigurer. Til dette formål stillede modeller for dem.
Men i tidligere århundreder var det umuligt overhovedet at tænke på en pige, der tegnede en nøgen mand. Hun kunne ikke engang være i samme rum med ham.
Men det betyder ikke, at kvinder ikke har påvirket kunsten på nogen måde. Tværtimod ville det næppe have nået et højt niveau uden dem.
For nylig lavede Prado-museet projekt El Prado en femenino. Dens skabere lavede en video, hvor alle de malerier, som kvinden bestilte, købte eller gjorde til en del af kvindens samling, forsvandt fra museets vægge. Og som et resultat forsvandt næsten alle de vigtigste mesterværker fra museumshallerne i videoen.
For mens mænd pisser hinanden af i buskene, udfører kvinder en meget vigtigere opgave: at sætte op deres boligareal, opdrage børn og i det hele taget - er ansvarlige for ansigtet af regimet, det kongelige hof, og så videre Yderligere.
Nikita Monich
Kan et almindeligt menneske, og ikke en specialist, forstå samtidskunst?
Ethvert maleri, skulptur, værk af dekorativ og brugskunst, melodi er et budskab. Og det udsendes på et eller andet sprog. Det betyder, at for at dechifrere denne besked, skal du kende det sprog, som den transmitteres på.
Når en person ser nogle mennesker eller genstande på et billede, forekommer det ofte for ham, at alt er klart. Seeren tænker måske: dette er en realistisk tegnet smuk kvinde - hvad er uklart ved det? Men han ser ikke allegorierne, ved ikke, hvilken historie der er krypteret i billedet, genkender ikke de litterære citater, der er forbundet med den. Hvis han ser helgener, ved han måske ikke, hvad de er berømte for, hvad deres egenskaber er tegnet ved siden af, eller hvorfor disse egenskaber var nødvendige. Og i sidste ende forstår han ikke det budskab, som kunstneren ønskede at formidle.
Men personen slutter: ”Det forstår jeg godt, for der er mennesker her. Men her er der bare pletter, min femårige datter vil tegne på samme måde - jeg forstår det ikke."
Når nogen siger, at deres fem-årige barn kan gøre dette, er det altid ikke sandt. Kunst er ikke et objekt. Kunst er et forhold, der er født mellem beskueren og objektet eller ej. Og hvis det er født, er personen som: "Åh, kunst!" Og hvis det ikke er født, siger han: "Det er ikke kunst."
Nikita Monich
Men for at et forhold kan opstå, skal du forstå, hvad du præcist fik at vide. Hvis sætningen lyder på en fremmeds sprog Sprog - for eksempel på vietnamesisk eller ungarsk - vil han ikke opfatte noget. Og han vil ikke modtage beskeden, selvom den er ekstrem vigtig og kan ændre hans liv.
Vi konkluderer: at forstå kunst betyder at kende det sprog, kunstneren taler. Hvis du ikke forstår dette sprog, så vil det være umuligt at høre kunstneren.
Hvordan man lærer at forstå kunst
Det er værd at forstå, hvad præcis du kan lide og resonerer med. For at gøre dette skal du prøve forskellige ting. Det er ligesom med produkter: Du kan sammenligne flere typer juice, og så beslutte dig for, at du stadig bedre kan lide øl. Men først skal du prøve hver drink.
Hvis du er begyndt at stifte bekendtskab med kunst, husk to regler:
- Interessen for billedet begynder med den anden visning. Hvis du vil se på det igen, betyder det, at der er noget i det.
- Vær ikke bange for spoilere. Inden du går på museet, kan du læse om det. Og se på de 20-30 mesterværker, der er gemt der. De er nemme at finde fx på platformen Google Arts & Culture.
Først skal du bare se på billederne, bladre gennem siderne - i første fase er det nok. Åbn samtidig i nye faner de lærreder, der fangede din opmærksomhed. Så se på disse værker igen, læs om dem.
Senere, når du går på museet, skal du gå direkte til de malerier, der interesserer dig. Altså til allerede kendte lærreder. Dette er nødvendigt, så du ikke spilder din mest værdifulde ressource – opmærksomhed.
Et meget vigtigt punkt: Forsøg ikke at se alt. "Jeg har fire timer, der er 400 sale i Louvre forude - nu finder vi ud af det" - Gud forbyde det! For mere end 100 år siden blev begrebet "museumstræthed" opfundet. Det vil simpelthen blæse dig væk; du vil løbe tør for ledig plads på din harddisk.
Nikita Monich
Se derfor kun på, hvad du har planlagt på forhånd. Og prøv så at udskille tre værker fra alt det, du så:
- Hvad du bedst kunne lide.
- Hvad du ikke kunne lide mest.
- Det du fandt mest mærkeligt.
Tag derefter din smartphone og tænd den alarmså den ringer om fem minutter. Det er meget vigtigt ikke at se på skærmen al denne tid, så lad det være et vækkeur, ikke en timer. Og tal til det valgte billede i fem minutter. Sørg for at tale højt, kun stille og roligt – du er stadig på et museum. Tal i et gennemsnitligt tempo uden gentagelser. Fortsæt, indtil alarmen lyder.
Når det ringer, vil du opdage en enorm mængde nye ting om dette billede. Det er, som om du vil bryde igennem en form for gennemskinnelig membran af en stereotyp. Ved at gøre dette med tre malerier som en slags referencepunkter, lægger du fundamentet.
Nikita Monich
Tja, hvis du gentager denne teknik hver gang du besøger en ny udstilling, vil du med tiden akkumulere perceptuel erfaring. Og du vil være i stand til at fortolke kunst bedre.
Andre interessante foredrag🧐
- Er det muligt at flyve gennem Jupiter, og hvornår finder de en ny planet: siger astrofysiker Vladimir Surdin
- Hvor meget sover genier og er lang søvn virkelig skadelig: forklarer somnolog Roman Buzunov
- "Middelalderen bragte ikke nogen tilbagegang i kultur og videnskab." Hvorfor - siger historiker Oleg Voskoboynikov